Nos encontramos en la recta final del año y como ya costumbre, aquí en Freim TV nos damos a la tarea de elegir nuestros discos favoritos del año y que consideramos cómo los mejores de este 2023

Sumérgete en nuestra selección de los discos más destacados. Desde increíbles descubrimientos, hasta obras revitalizadas de artistas consagrados.

Álbumes que capturan la diversidad y el sonido de un año que se va con mucha música detrás y que aquí en Freim, nos dejaron marcados

Los mejores discos del 2023 según el staff Freim TV

Obrigaggi – Diles que no me maten

Compuesto por ocho temas donde la conversación con las sombras citadinas y sus claroscuros prevalecen, pero ahora dándole un giro más íntimo, contemplativo y conectado con lo bello de la naturaleza, en Obrigaggi, nos vamos adentrando lentamente hacia una narración que busca potenciar las texturas entre visiones, encuentros y muestras de amor elevándose por su propia esencia. Temas como “El Circo”, “Obrigaggi”, ½ día (que constituye el corazón del álbum) “Pajaritos y derrumbes”, “Radio Sonora”, revelan un espectro que se adentra en la psicodelia, post-rock, free jazz, y melodías progresivas tejidas con hilos de ambient y atmósferas sombrías, así como el uso de instrumentos de distintas familias con  recursos como ostinatos, improvisaciones y contrapuntos melódicos, logrando, como siempre, un sonido distinto a cualquier género, pues vaya, a estas alturas la banda es su propio género.

La influencia de Hugo Quezada con quién previamente trabajaron en “La vida de alguien más” les sentó de maravilla, amén del sello característico de Diles que no me maten y el minimalismo al que nos han acostumbrado, lo que siempre se traduce en mayor espacio para sentir.

Obrigaggi es una experiencia emocional que nos invita a explorar los recovecos de nuestra alma y a abrazar el amor en todas sus formas. Un regalo musical que toca el corazón con la intención de transformar la cotidianidad en algo extraordinario y eso, al final es parte del todo.

DYSTOPIA – Velum!

Josué Braga aka Velum!, dio inicio a su travesía en el mundo de la música de manera formal a la edad de 12 años, encontrando inspiración en géneros como el house y el hip hop. Sus producciones son notoriamente distintivas y este año llegó armado para romperla en grande.

Con siete temas, DYSTOPIA es un material por demás deslumbrante y futurista. Se mueve entre el hyperpop, trap, electrónica y todo envuelto bajo una temática cyberpunk perfectamente trabajada, dando como resultado un cóctel de urbano tecnológico que se mete bajo tu piel y se enrama con tus sentidos.

Tan solo ponerle play a rolas como “PORTAL”, “TRIVIA”, “GEN 0101”, “CIUDAD NEÓN” para sentirse parte de una película al más puro estilo de Blade Runner.

 

El diablo en el cuerpo – Alex Anwandter

El cantautor chileno Alex Anwandter aborda el concepto de posesión demoníaca de manera única en su último álbum. A diferencia de las interpretaciones tradicionales que sugieren consecuencias negativas, Anwandter ve tener al diablo en el cuerpo como una invitación a liberarlo a través del baile. Su álbum más reciente es un trabajo que utiliza el desenfreno y el brillo como herramientas terapéuticas para sanar heridas.

 

 

Memento Mori – Depeche Mode

En su último álbum, “Memento Mori”, Depeche Mode se sumerge en un viaje de transformación marcado por la pérdida de Andy Fletcher y la sombra de la pandemia. Dave Gahan y Martin Gore no solo rinde homenaje a su compañero caído sino que también revela un renacimiento emocional.

El proceso creativo, guiado por la maestría de James Ford y Marta Salogni en la producción, lleva a la banda por territorios más luminosos y directos, dejando atrás las luchas políticas para abrazar temas de ilusión, resurrección y positividad.

“Ghosts Again”, el sencillo principal, se destaca como una joya adictiva, mientras que la colaboración con Richard Butler y la reubicación del estudio de grabación agregan capas inesperadas a la narrativa del álbum, hasta la brillantez irresistible de “Always You”, “Memento Mori” equilibra la simplicidad con momentos complejos.

Este álbum no solo es una colección de canciones; es el relato de Depeche Mode hallando luz en la oscuridad, celebrando la vida incluso en la adversidad. Con más de 40 años en la industria, este material no solo honra el legado de Fletcher sino que también establece un estándar para el futuro del dúo.

 

 

The Land is Inhospitable and So Are We – Mitski

“The Land Is Inhospitable and So Are We” de Mitski es una bella oda musical con tintes de Americana (o alt-country) que encapsula la complejidad humana con maestría, producto de un trabajo de años detrás, pues Mitski ha observado, recopilado y creado esta obra, que sirve como meditación sobre el auto reconocimiento y el reconocimiento de sentirse “ajeno”. Desde la apertura intensa de “Bug Like an Angel”, el álbum se sumerge en facetas esenciales de la experiencia humana. Mitski utiliza voces ficticias para centrarse en sí misma, creando capítulos de una historia inacabada. “I Don’t Like My Mind” destaca por su devastadora exploración de la soledad y la lucha interna. Con una escritura evocadora. Mitski guía al oyente a través de picos emocionales, convenciendo de que el amor puede ser una luz en un mundo oscuro. La habilidad de Mitski para ofrecer golpes al corazón en media hora es impactante.

El mundo puede ser un lugar tortuoso, tumultuoso y, en última instancia, divino, y la cantautora estadounidense volvió a regalar a las chicas y chicos tristes de todo el mundo una colección de canciones que bien podemos llevar para llorar en el autobús nocturno de vuelta a casa, o solos en nuestras habitaciones. Aunque no hayas escuchado todo el álbum (que deberías, ¿qué esperas?) seguro que reconoces el tercer single, “My Love Mine All Mine”, porque actualmente es la banda sonora de todos los clips de TikTok que tienen la posibilidad de romperte el corazón.

 

 

The Ballad of Darren – Blur

The Ballad of Darren, el noveno álbum de los pioneros del britpop Blur, reúne de nuevo a cuatro amigos cincuentones para enfrentarse a los desalentadores problemas de la edad adulta (el fin de los romances y la llegada de la madurez) mientras revisitan el majestuoso melodicismo de sus impactantes primeros años noventa. El cantautor Damon Albarn no está aflojando el ritmo ni mucho menos. Atravesado por la melancolía de su ruptura con la artista Suzi Winstanley, el álbum refleja una evolución desde las sátiras sociales de Blur hacia un enfoque más personal.

Darren es su segundo álbum del año tras Cracker Island, de Gorillaz. Pero está intentando aprender a contentarse con la vida que se ha construido, incluso mientras las abatidas canciones lentas del álbum reflexionan sobre la persistente soledad. La banda parece levantarle el ánimo. “Charles Square”, “Goodbye Albert” y “The Heights” inundan la mezcla con guitarras psicodélicas y ritmos propulsivos, añadiendo texturas vibrantes a la melancolía.

La portada, un guiño a “The Great Escape”, sugiere un viaje hacia lo desconocido. Este retorno no busca replicar el pasado, sino ofrecer un paisaje musical nebuloso y maduro.

Food for Worms- Shame

Food for Worms es el tercer álbum de la banda británica de post-punk Shame , lanzado el 24 de febrero de 2023. El álbum nos deslumbro con sus canciones potentes y el arte de la portada, pues maneja un toque de misterio y ondas psicodélicas, como de un sueño.

Food for Worms alberga sonidos placenteros que provocan una liberación de emociones acumuladas.

Exotico – Temples

“Exotico”, el tema que da nombre al álbum, te hipnotiza con sus sonidos psicodélicos y oníricos, con un poco se sintetizador, hace que el sonido sea hipnotizante y misterioso, guiada por las percusiones donde el brillo de las guitarras busca sobresalir. Las canciones que podemos encontrar en este álbum son “Sultry Air”, “Cicada” y “Slow Days”. El álbum busca crear atmosferas astrales y frescura tropical invitándonos a reflexionar sobre los malos momentos sabiendo que siempre habrá un rayo de sol representado por una guitarra limpia. El arte del disco habla de las canciones que lo componen.

$ad Boyz 4 Life II – Junior H

El papá de los corridos tumbados, lanzó la segunda parte de “$ad Boyz 4 Life”, destacándose por prescindir de colaboraciones a pesar de las expectativas. Con 17 cautivadores temas, demuestra su indiscutible popularidad en la música mexicana.

Javelin – Sufjan Stevens

Sufjan Stevens, tuvo un año difícil y muchas de estas luchas las presenta en su último álbum “Javelin”, marcando su retorno a la melancolía introspectiva que caracterizó obras anteriores como “Carrie & Lowell”. Después de incursiones experimentales, Stevens vuelve a sus raíces con una obra maestra que captura la esencia misma de la pérdida, manifestándose como la temática central, explorando la desesperación y el anhelo tras el fin de una relación. “So You Are Tired” expresa súplicas desgarradoras y la comprensión de que todo ha cambiado irremediablemente. “Javelin” se presenta como un collage musical, exigiendo una escucha reflexiva para desentrañar sus capas. La profundidad emocional del álbum se traduce a través del lirismo poético característico de Stevens.

Este disco no se encasilla fácilmente en categorías previas de Stevens; más bien, fusiona sus diversas influencias en una destilación esencial de su extensa carrera. La amalgama de estilos resulta en una poderosa expresión de aceptación en un mundo que parece estar en contra de él, representando un triunfo único incluso para un artista tan talentoso y consistente. Un álbum que duele, pero que también se siente como parte de un proceso de vida que explora desde lo fetal hasta el renacimiento, “Javelin” es una obra maestra profundamente personal que, sabe darle esa gravedad casi apocaliptica a lo que representa muchas veces el dolor de encontrarse lidiando con la vida misma.

Red Moon in Venus – Kali Uchis

La luna roja, con su aura única y poderosa, encuentra reflejo en el tercer álbum de estudio de Kali Uchis. A lo largo de su carrera, la artista ha redefinido el pop latino, hábilmente incorporando matices de R&B. En su última entrega, la colombo-estadounidense comparte su perspicaz visión del amor y explora un amplio espectro emocional, transitando desde el enamoramiento hasta la liberación.

Jonny – The Drums

‘Jonny’ es uno de los álbumes más esperados del 2023, es el sexto álbum de la banda estadounidense del género indie rock, The Drums. Fue lanzado el 13 de octubre de 2023

El álbum alberga temas como “I Want It All” que fue lanzado el 3 de abril de 2023, “Plastic Sobre” y “Protect Him Always” el 11 de mayo, y “Obvious” el 8 de junio 2023. El 12 de julio, Pierce anunció el álbum y compartió el quinto sencillo “Better”. El cantante habla de temas muy nostálgicos y genéricos. Pues en este disco regreso a la casa donde era un niño, mientras sus padres estaban fuera, se tomó fotografías en habitaciones que guardaban fuertes recuerdos. Ahora, lo considera como un lugar sagrado para él, ya que pudo hacer las paces. Es un álbum muy catártico y que la esencia de Jonny permanece intacta.

Cuts & Bruises – Inhaler

La banda de rock oriunda de Dublín, Irlanda, lanzaron este 2023 ‘Cuts & Bruises’, su segundo material. En este álbum podemos encontrar canciones como ‘If You’re Gonna Break My Heart’ y “Love Will Get You There”. La banda aborda toques rockeros de los años noventa y con la voz del vocalista hace que esta pieza se unifique y crea una pieza maestra. A pesar de ser el segundo álbum de la banda, nos logra cautivar con sus canciones mas románticas.

Space Heavy – King Krule

Archy Marshall, conocido como King Krule, demuestra una vez más su habilidad para desafiar las expectativas en su cuarto lanzamiento, “Space Heavy”, llevándonos a un viaje de introspección y sonidos envolventes.

Se trata de un álbum que requiere de paciencia para apreciar su encanto mismo que se presenta engañosamente lúgubre, pero que llena los rincones más íntimos del alma de Marshall con ritmos glaciales que oscilan entre la tensión y la liberación. Las reflexiones existenciales y las experiencias de la paternidad, que se exploraron por primera vez en “Man Alive!” en 2020, encuentran una nueva dimensión aquí, marcando la evaluación del músico a medida que se acerca a los treinta, desplegando su distintiva y áspera voz, combinándola con una plantilla musical igualmente tosca pero con destellos de optimismo.

A pesar de su enfoque conmovedor y misterioso, el inglés rara vez se aventura en lo sentimental, destacando su habilidad para llenar un lienzo vacío con detalles precisos. Aunque “Space Heavy” presenta momentos más luminosos, King Krule permanece con los pies en la tierra, reflexionando sobre los cambios en su vida y la significado que ha adquirido.

This Stupid World – Yo La Tengo

Yo La Tengo se sumerge en una reflexión profunda sobre el tiempo, la memoria y la persistencia en su último álbum auto-producido, “This Stupid World”, mismo que examina cómo la perspectiva del tiempo puede ser alterada, generando frustración, ira o una renovada apreciación de la vida como una serie vasta de experiencias. A través de amistades y relatos musicales compartidos, Yo La Tengo aborda estas cuestiones, revelando su enfoque único para dar sentido a las luchas cotidianas, con una teatralidad de indie rock densa, destacando la relevancia continua de la banda durante casi 40 años, proporcionando una visión enciclopédica de su evolución musical.

El álbum, en su diversidad, muestra a Yo La Tengo más vibrante y enérgico que en años anteriores. Construido alrededor de sesiones de estudio en vivo, “This Stupid World” irradia una energía innata y una imprevisibilidad no escuchada desde “I Am Not Afraid of You and I Will Beat Your Ass” en 2006. Aunque hay momentos de caos controlado, la dinámica enfocada de la banda permanece, incluso cuando se aventuran en nuevos territorios.

En la canción que da nombre al álbum, Yo La Tengo teje narrativas íntimas y temas comunitarios en una impactante canción pop que transmite una mezcla de ira y afecto, envuelta en disonancia y ruido industrial. “This Stupid World” captura dolores sordos y momentos de felicidad intermitentes, mostrando a la banda más viva y exploradora que nunca.

Alma- Nicki Nicole

Nicki define su tercer álbum como una obra conceptual y experimental que revela su lado más íntimo, explorando varios géneros. Acompañó el lanzamiento con un documental sobre el proceso de creación.

Alma, muestra el lado más experimental de la cantante argentina; pues bien, es capaz de abordar distintos géneros y crear temas que muestran una faceta más seductora y empoderada. Sin duda, es el album en donde más se ha aferrado a su voz e interpretación, además de mostrar su fortaleza; pues quitó las espectativas y en la busqueda de su identidad como persona y artista contruyó un disco crudo y profundo en el que no solo refleja cuanto ha crecido como creadora sino todo lo que le ha costado encontrar esa identidad. Quizá de ahí viene el nombre del álbum pues simplemente refleja la esencia de esta mujer.

 

This Is Why – Paramore

El sexto álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Paramore, llega después de muchos años bajo el radar, ¿El resultado? La banda logra renacer de la mejor manera soltando varios sencillos muy particulares como “This Is Why “, ” The News “, “C’est Comme Ça” y ” Running Out of Time “. Paramore sigue manteniendo su esencia en este álbum, aunque demostraron que hay un crecimiento musical y una maduración exacerbada. El disco fue considerado para la 66.ª edición de los premios Grammy , el álbum fue nominado a Mejor Álbum de Rock.

The Greater Wings – Julie Byrne

Julie Byrne, regresó este 2024 tras el sorprendente éxito de “Not Even Happiness” en 2017, ahora se enfrenta al desafiante panorama de su tercer álbum, “The Greater Wings”. Un proyecto, marcado por la inesperada pérdida de su socio creativo y amigo cercano, Eric Littmann, lo que le aporta una capa emocional, misma que es imposible no sentir en cada tema.

Desde el principio, Byrne nos sumerge en su viaje, tratando de dar sentido a la trágica partida de Littmann. Las letras, impregnadas de recuerdos y reflexiones sobre el universo, sirven como tributos amorosos a su difunto amigo. Frases como “You’re always in the band… Forever underground… Name my grief to let it sing… carry you up on the greater wings” revelan la profunda conexión con él que persiste a lo largo del álbum.

El disco captura y arrastra al oyente a un mundo de dolor que respira lentamente, reflejando la voz desafiante e inquebrantable de Byrne frente a la producción de Littmann. La paciencia sonora, la cinematografía emocional y la esperanza resonante hacen de “The Greater Wings” un refugio para aquellos que han experimentado el confuso y cósmico mundo del dolor en la travesía de la pérdida, invitando a los oyentes a explorar la complejidad de la misma y encontrar consuelo en las alas mayores de la esperanza. Un abrazo al corazón.

Génesis – Peso Pluma

El esperado álbum de Peso Pluma, con 14 canciones y colaboraciones destacadas como Natanael Cano y Eladio Carrión, fusiona sonidos sinaloenses y trap. Destacan temas en solitario como ‘RUBICÓN’ y ‘BYE’, demostrando su versatilidad. Producido por Peso Pluma, Ernesto Fernández, Iván Leal Reyes “Parka” y George Prajin, el álbum refleja el cuidado del artista hacia su audiencia.

Prismarama – León Larregui

En su tercer álbum como solista, precedido por Solstis (2012) y Voluma (2016), el líder de Zoé se aventura en una mayor exploración sonora. En una entrevista reciente, menciona haberse permitido experimentar, destacando temas como ‘Su majestad la eternidad’, con influencias tecno de los 90, y otro con una vibra de ‘slow cumbia’. Este enfoque se traduce en 15 canciones vibrantes y eclécticas que reflejan su creatividad expansiva.

Este es uno de los discos más íntimos de León Larregui pues cuando salió, afirmó que se había sentido completamente libre al realizarlo y producirlo él mismo. Lo que hace especial a este disco es toda la combinación de estilos que Larregui experimentó en él y hace alusión a esto desde el nombre; pues juega con la analogía de los prismas y cómo la luz se descompone en ellos creando colores infinitos y variados. Toda la combinación de sonidos, arreglos musicales e incluso idiomas no solo son coprotagonistas con la inconfundible voz de este hombre; sino que se vuelve una creación que por más diferente que sea una canción de la otra, todas representa la personalidad única de Larregui y su crecimiento como artista.

 

Council Skies – Noel Gallagher’s High Flying Birds

El cuarto álbum de Noel Gallagher’s High Flying Birds, el exlíder de Oasis demuestra su indiscutible talento compositivo. En este viaje musical, Noel abandona los tintes electrónicos de sus trabajos anteriores para regresar al indie pop-rock clásico que lo caracteriza.

El álbum destaca por su cautivador trío inicial, desde el exquisito medio tiempo de “I’m Not Giving Up Tonight” hasta la magnífica “Dead To The World”, que exhibe arreglos dignos de elogio. “Pretty Boy”, con la participación de Johnny Marr, son otras gemas que demuestran la maestría de Noel en este terreno.

“Council Skies”, la canción homónima, se erige como el track más elaborado del disco, incorporando elementos experimentales y reflejando la evolución de Gallagher como artista.

El álbum, aunque se mantiene en terrenos familiares, no deja de ser un acierto, destacando por su coherencia y la claridad con la que Noel aborda su música. Con “Council Skies”, Noel Gallagher’s High Flying Birds no solo ofrece baladas compuestas para la guitarra, sino también momentos geniales y optimistas que resuenan con la esencia misma de Noel.

Mañana será bonito – Karol G

Explorando mezclas de reguetón, pop y trap, el último álbum de Karol G, desde ‘Mientras me curo del cora’, captura su fase posruptura en 16 cautivadoras canciones. Las colaboraciones con Romeo Santos, Shakira, Carla Morrison y Sean Paul añaden un toque distintivo.

La Bichota regreso una vez más a curarnos el corazón y empoderarnos con su música y letras. Este álbum es increíble no solo por canciones como Mañana será bonito y Mientras me curo el cora, está lleno de colaboraciones con artistas que le dan un plus increíble como Sean Paul, Bad Gyal, Carla Morrison, entre otros y en él básicamente cuenta la historia de una tusa. Luego sacó el Mañana será bonito (Bichota Season) en donde regresó más perra que humana y habla de la etapa de aceptación y superación del duelo tras una ruptura. Además, hay colaboraciones con artistas como Peso Pluma, Kali Uchis, Young Miko y hasta Tiesto; lo cual hace que esta segunda parte, por decirlo así, sea un mix de géneros entre reggaetón, trap, pop y hasta cumbia.

 

Bichota Season

 

Closet Botanist – Rudy de Anda

Rudy De Anda presenta su nuevo álbum “Closet Botanist”, una obra bohemia que conserva sus raíces playeras y de rock psicodélico, con canciones producidas junto a compañeros de bandas anteriores. Grabado en el corazón de California, el disco, impulsado por la batería de Daniel Villareal, el bajo de Jon Rivera y la habilidad en los teclados de Kyle Davis, ofrece un viaje por una faceta más personal del cantante. En la búsqueda del sonido perfecto, De Anda optó por la grabación en cinta para lograr un clásico sonido de rock and roll con “un rastro de migajas de pan psicodélico”.

Everything Is Alive – Slowdive

Slowdive reavivó el fuego en la banda que perfeccionó la mezcla de ruido brillante y voz vaporosa en Souvlaki en 1991, y la inesperada continuación de este otoño, Everything Is Alive, logra otra hazaña estelar al transmutar el dolor y la pena en momentos de liberación emocional duramente ganados como el jangly pero increíble “Alife” o el glacial y majestuoso “Prayer Remembered”. Aquí, dan cuerpo a sus composiciones de sintetizador magníficamente, cambiando de dirección con delicadeza a medida que las texturas sónicas más frías chocan con el chisporroteante trabajo de la guitarra, y cubriendo todo de grises brumosos, como nubes de tormenta.

Cracker Island – Gorillaz

El esperado álbum “Cracker Island” de Gorillaz ha desatado opiniones polarizadas entre los fanáticos, destacando por una experimentación musical más comedida en comparación con trabajos anteriores. Aunque algunos consideran que la banda se aleja de su esencia y busca la viralidad, otros celebran la cohesión y frescura del material.

Para nosotros es un acierto y toca soportar.

El inicio electrizante de “Cracker Island” establece el tono funky con líneas de bajo al estilo disco y un distintivo riff de guitarra, fusionando la vieja esencia de Gorillaz con un sonido contemporáneo. “Oil” destaca como una de las mejores, combinando sonidos clásicos y electrónicos, guiados por una guitarra acústica y la voz de Stevie Nicks.

Cada canción lleva consigo una esencia única; desde la melancolía minimalista de “The Tired Influencer” hasta la psicodelia de “New Gold” con Tame Impala. La colaboración con Bad Bunny en “Tormenta” aporta un toque caribeño y reggaetonero (que personalmente no me gustó ni un poco), mientras que “Skinny Ape” ofrece una amalgama de folk pop y sintetizadores desenfrenados.

A pesar de las expectativas de que “Tormenta” sería la colaboración del año, algunos consideran que resultó ser más escuchable que impactante. Sin embargo, el álbum cierra con la nostálgica “Possession Island”, transmitiendo un mensaje de esperanza en tiempos oscuros y difíciles. Aunque algunos temas puedan parecer olvidables, “Cracker Island” se presenta como un disco bien producido, coherente y digno de explorar.

Pa Las Babys y Belikeada – Fuerza Regida

Bajo el sello independiente Rancho Humilde y distribuido por Sony Music Latin, Fuerza Regida marca su regreso después de 10 meses con el potente álbum “Pa Las Babys y Belikeada”. Este trabajo de 30 pistas no solo destaca por sus colaboraciones con Marshmello, María Becerra y Manuel Turizo, sino también por la participación de reconocidos artistas de la música mexicana como El Fantasma, Calle 24, Gabito Ballesteros y Chino Pacas.

Nata Montana- Natanael Cano

Nata Montana desafía las convenciones del regional mexicano en su nuevo álbum, con colaboraciones destacadas de Peso Pluma, Junior H, Gabito Ballesteros y otros artistas. Entre los éxitos notables se encuentran ‘AMG’ y ‘Pacas de billetes’. La portada del álbum, inspirada en la icónica película Scarface con el lema “El mundo es tuyo”, sirve como recordatorio de que para Nata Montana, el cielo es el único límite.

Stone – Baroness

Con más de dos décadas de carrera, Baroness continúa sumergiéndose en la oscuridad, explorando nuevas técnicas de mezcla, capas instrumentales, ritmos de batería innovadores y voces audaces. Su último álbum, “Stone”, marca una nueva era, demostrando la constante búsqueda creativa de la banda.

El proceso de creación de ”Stone”, su sexto álbum, se inició durante la pandemia. Autoproducido y mezclado por Joe Barresi, el enfoque de grabación estándar de Baroness fusiona sludge y stoner metal con elementos progresivos, folk, drones y psicodelia. El álbum se sumerge en la atención minuciosa a la composición, el arte y la ejecución, revelando una faceta más enfocada y cohesiva. El disco presenta canciones más cortas, pero profundas, destacando la corrección de errores percibidos en su trabajo anterior, “Gold & Gray”. El álbum resuena majestuosamente, especialmente en pistas como “Last Word”, que combinan complejidad y accesibilidad con riffs intensos y solos retorcidos.

Las voces de Baizley y Gleason encuentran una armonía renovada, ya sea la filosa y contundente “Beneath the Rose” o sumergiéndose en la hermosa introducción folk de “Magnolia”. La yuxtaposición de estilos emerge como el punto fuerte en Stone, donde riffs sedientos de sangre coexisten con rasgueos acústicos tranquilos.

Endless Summer Vacation – Miley Cyrus

Miley Cyrus presenta su octavo álbum, “Endless Summer Vacation”, una experiencia musical que encapsula la diversidad de estilos y emociones. Dividido entre temas para el día y la noche, el álbum marca la cúspide de la evolución artística de Cyrus, fusionando influencias que van desde el country hasta la electrónica.

El álbum es más que “Flowers” el hit más popular de esta producción. Temas como “Jaded” y “Island” ofrecen un pop rock reflexivo que destaca la voz única de Cyrus. La emotiva “Wonder Woman”, respaldada por un piano, revela su lado más íntimo, explorando el amor propio y la nostalgia. No obstante, algunas incursiones en la electrónica, como “Handstand” y “Violet Chemistry”, se sienten desubicadas en el contexto del álbum.

Cyrus presenta un álbum que resalta su evolución como artista. A pesar de algunas divergencias, la colección diversa de canciones demuestra que Miley Cyrus continúa desafiando las expectativas y ofreciendo momentos notables en su carrera.

the record- Boygenius

Tal vez sea una ventaja injusta, cuando tres cantautoras superiores se unen y cada una aporta su mejor juego en lugar de selecciones de la pila de descartes a un supuesto proyecto paralelo. Si es así, sólo podemos desear que otros grandes contemporáneos se congreguen de forma similar como supergrupos y “hagan trampas”. No hay casi nada entre las 12 canciones de la primera colaboración de Boygenius que no esté a la altura de lo mejor que Phoebe Bridgers, Julien Baker y Lucy Dacus han hecho por su cuenta.

EADDA9223 – Fito Páez

Fito Páez ha reinventado su álbum clásico “El amor después del amor” con la colaboración de destacados artistas como Nicki Nicole, Mon Laferte, WOS, Nathy Peluso y más. Cada colaboración aporta una perspectiva fresca a las reconocidas canciones, como la nueva versión de ‘Sasha, Sissi y el círculo de baba’, donde Páez comparte micrófono con Mon Laferte, incorporando un cautivador estilo tex-mex. Este proyecto, junto con su participación en una serie de televisión y la publicación de su autobiografía “Infancia & Juventud”, ha devuelto al maestro argentino una enorme visibilidad.

1UNAMORSUPREMO – YOSHI

Con su debut “1UNAMORSUPREMO”, YOSHI se destaca como un talentoso músico que fusiona hábilmente la producción y la escritura. El álbum, lanzado bajo Virgin Music Records, es un viaje melancólico a través de las complejidades emocionales de las relaciones y sus procesos de punto a punto: idealización, ruptura y lo que viene después.

Desde el fulgor romántico de “todo”, pasando por el R&B en “de 9 a 10” hasta el reggaetón triste de “SUFICIENTEPUNTOWAV” o “Lo demás” un tema que nos recuerda a los ritmos juguetones a la Bad Bunny, cada pista revela capas de sentimiento.

La instrumentación del material, inicialmente filtrada, adquiere nitidez simbólica, proporcionando un cierre coherente y maravilloso. Destacando por su calidad de producción, el álbum se sumerge en seductores beats, R&B y sonidos urbanos. YOSHI aprovecha su voz sin depender excesivamente del auto tune, priorizando la temática sobre el sonido. “1UNAMORSUPREMO” teje un tapiz que explora el amor romántico, propio y la conexión divina, ofreciendo una perspectiva única de estas experiencias.

Un disco que resalta por la excelente calidad en su producción, reflejado en las melodías bien trabajadas y ensambladas track por track.

Toxic Positivity – The Used

El regreso de The Used con “Toxic Positivity” marca su noveno álbum de estudio, producido por John Feldman. Este trabajo de once canciones ofrece una experiencia equilibrada, transitando entre lo pesado y lo íntimo en poco más de media hora. Desde el impactante inicio con “Dopamine”, que fusiona momentos titánicos con un vals, hasta la sorpresa de “Cherry”, combinando guitarra acústica y percusiones de drum and bass.

Temas como “Dancing With A Brick Wall” demuestran la habilidad de la banda para innovar sin perder su esencia, incorporando una carga electrónica equilibrada y distintivos gritos de Bert, volviéndose sorprendentemente bailable. “Toxic Positivity” explora la recuperación y la esperanza tras tiempos oscuros, desafiando la constante negatividad en canciones como “Giving Up”, donde Bert transmite la lucha interna a través de su voz distorsionada.

Canciones como “Pinky Swear” y “Top of the World” cumplen con las fórmulas clásicas de la banda, mientras que “House of Sand” destaca como una conmovedora balada reciente. El título del álbum refleja la contradicción entre una positividad excesiva y sus potenciales efectos negativos.

La banda se sumerge en su lado oscuro para luego abrazar la luz en “Toxic Positivity”, capturando la complejidad emocional y la lucha personal de manera impactante. La evolución creativa se refleja en la incorporación de nuevos sonidos, dejando a los oyentes ansiosos por más.

Data – Tainy

El album debout del productor puertoriqueño sin duda fue un completo acierto en su carrera y no solo porque este hombre es una de las voces más importantes en el reagetón actual. Está repleto de colaboraciones increíbles con artistas como Álvaro Díaz, Bad Bunny, Daddy Yankee, Wisin y Yandel y hasta Julieta Venegas. A través de este disco Tainy presenta a Sena, un androide al que la música le va despertando diversos sentimientos. Cada canción de DATA es un pedazo de información que le añade a todas esas emociones humanas. Básicamente, es una metáfora de cómo los seres humanos necesitamos de la música para despertar emociones, en una época repleta de tecnología.

The Jaws of Life – Pierce the Veil

Tras una espera de siete años, Pierce the Veil regresa con una fuerza inesperada, mostrando una madurez palpable en su noveno álbum de estudio, “The Jaws of Life”. Este trío, ahora acompañado por el baterista Brad Hargreaves, conocido por su trabajo en Third Eye Blind, se aventura en un territorio sonoro más amplio e innovador. El primer sencillo, “Pass the Nirvana”, ejemplifica esta evolución y se destaca como la mejor pieza del álbum.

Bajo la producción de Paul Meany, vocalista de Mutemath, el sonido de Pierce the Veil adquiere un matiz contemporáneo. “The Jaws of Life” no sigue un hilo conductor claro, pero esta falta de cohesión revela una nueva faceta experimental que sustenta el paso del tiempo. A pesar de momentos donde la cohesión parece perderse, el álbum se mantiene notable y ameno, diseñado para recapturar a los oyentes después de un prolongado silencio.

Este retorno de Pierce the Veil no se aprovecha de la nostalgia del resurgimiento actual del emo, optando por dar pasos audaces y más grandes. Desde influencias grunge hasta baladas a medio tiempo con toques de producción moderna, “The Jaws of Life” demuestra una evolución sonora. La banda, valiente y madura, ya no es exclusiva de la fase emo, sino que se establece como una elección para toda la vida.

Hackney Diamonds – Rolling Stones

A pesar de estar en una etapa avanzada de sus carreras y tras la reciente pérdida de Charlie Watts, los Rolling Stones demuestran que el rock sigue fluyendo en sus venas con “Hackney Diamonds”.

Este álbum, que no intenta compararse con las obras maestras de su periodo cumbre, revitaliza el sonido característico de los Stones, ofreciendo un rock & roll sucio, lleno de chulería y energía.Desde “Angry”, el sencillo de presentación que recuerda el sonido prototípico de los Stones hasta “Sweet Sounds of Heaven”, una colaboración con Lady Gaga y Stevie Wonder que evoca la época dorada del grupo, el disco abarca una gama de estilos. “Rollin’ Stone Blues”, un cierre epitafio de Willie Dixon, marca un interesante punto final para esta leyenda musical.

Aunque algunos cortes, como “Whole Wide World”, pueden sentirse pulidos en exceso, “Hackney Diamonds” logra capturar la esencia de los Stones a lo largo de sus 60 años de carrera. La participación de Paul McCartney, Lady Gaga, y otros, añade capas intrigantes al álbum, demostrando que, a pesar de la ausencia de Watts, los Stones continúan siendo maestros en su oficio.

Este disco, más allá de las expectativas mixtas, representa un momento histórico y un resurgir para los Rolling Stones. A medida que inician una nueva gira mundial, “Hackney Diamonds” no solo cumple, sino que también establece un precedente para la resistencia del rock en la escena musical contemporánea, recordándonos que la eternidad musical de los Stones persiste a pesar de cualquier retiro inminente

Death of Randy Fitzsimmons – The Hives

The Hives, es una banda única y especial. Eso lo han demostrado a lo largo de todos los años. Death of Randy Fitzsimmons, es el sexto álbum de estudio de la banda sueca The Hives. Fue publicado el 11 de agosto de 2023. Es el álbum más esperado de todo el año, pues la banda también estuvo bajo el radar. Lograron revivir la chispa con sus fanáticos al presentar este álbum. Es su primer álbum tras un parón de once años, después de la publicación en 2012 de Lex Hives. La banda siempre ha demostrado su energía y singularidad en cada oportunidad que tiene. Además, de demostrar que ha crecido musicalmente y al mismo tiempo ha logrado mantener su esencia. Esto lo podemos observar en sus éxitos “The Way the Story Goes” y “Smoke & Mirrors”.

Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd – Lana Del Rey

Este material de la artista logra lo que su álbum anterior se propuso hacer en serio, fusionando canciones folk crudas, melodías pop lúgubres, producción trap esquelética, y profundas tradiciones californianas, a la vez que escenifica una sutil renuncia religiosa a las preocupaciones más insignificantes, para reforzar mejor los lazos de la artista con la fe y la familia.

Radical Romantics – Fever Ray

Karin Dreijer desmantela mitos del amor en un material para el que la fusión inseparable de elementos audiovisuales es evidente desde la portada, para la que Dreijer porta traje, entre mechones grises y piel marchita, evocando conceptos románticos y una postura rebelde.

Musicalmente, Dreijer despliega un lenguaje que desafía clichés, explorando significados atenuados, binarios y más. Voces andróginas impregnan el sonido electrónico casi extraterrestre, expresando la identidad fluida de Dreijer y respaldada por la colaboración de Olof Dreijer o íconos como Trent Reznor y Nídia.

Bajo el paraguas de la electrónica, el álbum se sumerge en diversos pozos sonoros, desde el pop vertiginoso de ‘Carbon Dioxide’ hasta las vibraciones ambientales de ‘Bottom Of The Ocean’. Más aventurero que su predecesor, “Radical Romantics”, aunque incómodo para algunos, aborda el romance con audacia y aceptación, ofreciendo un antídoto necesario contra la rigidez de un mundo guiado por la jerarquía y la desigualdad.

My Soft Machine – Arlo Parks

Después de publicar un álbum tan alabado por la crítica como su debut Collapsed in Sunbeams, Arlo Parks puso el listón lo más alto posible para su continuación y, de alguna manera, My Soft Machine logró superarlo con facilidad. Este álbum melancólico y amplio sobre las pruebas y tribulaciones de sus veintitantos años permite a Parks jugar con su sonido, adentrándose en motivos más bailables en canciones destacadas como “Weightless” y “Devotion”. My Soft Machine es la prueba de concepto de la ascendente cantautora de que a partir de ahora sólo va a ir a más.

Alpha – Aitana

Alpha es un inicio nuevo para Aitana y se nota, no solo por sus letras con las que básicamente llora el pasado y celebra su presente; sino que el concepto completo de este disco tiene mucho que ver con la letra Alfa del abecedario griego, que justamente simboliza un comienzo. En este disco Aitan experimenta con sonidos que le tiran muchismo más a la electrónica y el electropop; pero no deja de lado los ritmos del caribe que son característicos en su música. Sin duda alguna es un antes y un después en su carrera y nos deja a la expertiva de cómo serán sus próximas creaciones.

For That Beautiful Feeling – The Chemical Brothers

Chemical Brothers nos dieron una entrega house y techno entre melodías pop y psicodelia bailable, en su más reciente material titulado “For That Beautiful Feeling”, para el cual, el dúo de electrónica más aclamado, capta sin esfuerzo la sensación única de estar profundamente conectado con una canción, llevándote a un mundo aparte. Este álbum rebosa de rellenos contundentes y psicodélicos, creando una experiencia sonora brillante que cautiva desde el primer momento. Con habilidad, presenta la participación de dos voces invitadas estelares: el sensacional cantante francés de psico-pop Halo Maud en la canción principal que da nombre al álbum, y el deslumbrante sencillo principal “Live Again”, donde sonidos analógicos y sintetizadores martilleantes se entrelazan de manera única.

MOR, No le temas a la oscuridad – Feid

El Ferxxo regresa con este álbum en donde ha apostado por sí mismo, por su vesatilidad y talento, dejándonos sin lugar a dudas su trabajo más diverso; pues se aventura por variantes del reggaeton que tocan el tecno, el afrobeat o el indie pop. Si bien este álbum no contiene temas que se volvieron uno de sus hits más representativos, a través de este disco el artista nos recuerda que todo el mundo brilla en la oscuridad y esto tiene que ver más con que él mismo, que pasó de estar en las sombras a brillar en la música latina. Además, tiene colaboraciones muy interesantes como Niña Bonita con Sean Paul o Bubalu con Rema.

Volcano – Jungle

En “Volcano”, géneros, escenas y sonidos se mezclan como un cóctel dulzón en una hora feliz en pleno verano; no lo pruebes, sólo siéntelo. No cabe duda de que el álbum está absolutamente a la altura de lo que le precedió a la hora de transmitir esas buenas vibraciones veraniegas. De hecho, en términos de álbum veraniego como factor independiente, Volcano ha hecho uno de los mejores trabajos en este sentido en el gran esquema de los álbumes de 2023.

Gloria – Sam Smith

Gloria es el album más personal de Sam Smith en toda su carrera, pues es en donde por primera vez pudo mostrarse completamente como es sin miedo y gritando a los cuatro vientos “Aquí estoy!”. Con temas en donde muestra su versatilidad como artista también lo usa para representar un poco todo lo que le ha costado aceptarse como es y amarse así, pues todo lo que ha pasado en temas de salud mental no es ningún secreto. Este disco realmente es un lugar seguro para todos los que en algún momento nos hemos sentido incomodos y culpables por ser como somos, con nuestro cuerpo o identidad.

That! Feels Good! – Jessie Ware

Una prenda ligeramente diferente cortada por el mismo patrón de alta calidad que su elegante predecesor, What’s Your Pleasure? de 2020, That! Feels Good! ofrece música disco del siglo XXI, claramente hecha por alguien que ama (y entiende los matices) de su material de origen, ya se trate de dancefloor-fillers altamente orquestados de circa 1977 o de Talking Heads en modo funky polirrítmico Remain in Light. El resultado es una selección de himnos impetuosos y estribillos a prueba de balas, repletos de sutiles detalles musicales.

In times new Roman – Queens of the Stone Age

Queens of the Stone Age sorprende en 2023 con su octavo álbum de estudio, “In Times New Roman”. Este lanzamiento, gestado en medio de turbulencias en la vida del frontman Josh Homme, marca un distanciamiento del característico sonido stoner de la banda hacia ritmos más atrevidos y audaces.

El álbum se convierte en un reflejo de las desventuras vividas por Homme en los últimos años, tejiendo introspecciones profundamente auténticas y sentimentales. Su sobriedad ha guiado su camino hacia una mente más clara, y estas experiencias se traducen en letras que exploran verdades relativas sobre la aceptación y la inutilidad.

Un material que se destaca por ser la entrega líricamente más fuerte y sólida de Queens of the Stone Age hasta la fecha, centrándose principalmente en temas de pérdida, dolor y aceptación del olvido, todo enmarcado con su sátira característica. El sencillo principal, “Carnavoyeur”, se sumerge en la vulnerabilidad, donde la voz cansada y resignada de Homme reflexiona sobre la muerte y canta sobre la desesperación de la vida.

El dolor y la melancolía de Homme se entrelaza con su sentido del humor, una parte esencial de su naturaleza idiosincrásica. “In Times New Roman” no solo representa un nuevo sonido para la banda, sino también un capítulo musical más maduro y reflexivo que captura la complejidad de la vida de Homme, encontrando incluso la gracia en los aspectos más oscuros de su existencia.

ESENCIA – Humbe

Este es el album más personal de Humbe, pues gracias a la búsqueda que realizó en su historia, es que Esencia existe. Humberto ha dicho que lo único que él busca es compartir algo genuino y si bien lo ha logrado de forma incríble a través de su música, con este disco le da un giro de 360° a eso y lo vuelve demasiado íntimo; básicamente es la contrucción y descontrucción de su escencia como persona. Además, es posible redescubrir a un artista cuyo crecimiento y experimentación musical sigue avanzando y dejando un montón de mensajes y sentimientos a todos los que nos encanta su música.

But Here We Are – Foo Fighters

Foo Fighters regresa con su undécimo álbum, “But Here We Are”, que marca un viaje sonoro y lírico a través del dolor y la pérdida, especialmente tras la muerte del baterista Taylor Hawkins y la madre de Dave Grohl. A diferencia de sus álbumes anteriores, Grohl aborda abiertamente sus sentimientos, dando lugar a letras más directas y emocionales.

Canciones como “Rescued” y “Under You” exploran la sorpresiva partida de Hawkins, capturando la búsqueda de consuelo y la sensación de pérdida. “Show Me How” y “The Teacher” revelan la resiliencia ante el duelo y la aceptación de la realidad. Además, el álbum presenta nuevos elementos experimentales sin perder el característico sonido de Foo Fighters.

“But Here We Are” no solo es un tributo a los seres queridos perdidos, sino también un testimonio de la fuerza y pasión de Foo Fighters para seguir adelante. A pesar de las difíciles experiencias, el álbum transmite un mensaje de esperanza y resiliencia.No solo es un álbum, sino el primer capítulo de la nueva vida de Foo Fighters, marcando una respuesta brutalmente honesta y emocionalmente cruda a los desafíos del último año.

Playa Saturno – Rauw Alejandro

Sabemos que Rauw está reinventando su música contantemente y este disco no fue la excepción, supo cómo combinar ritmos familiares que nos encantan y transformarlos en algo nuevo. Este álbum es 100% perfecto para el verano y nos regaló canciones increíbles para la fiesta y el perreo; además tuvo colaboraciones súper inesperadas con artistas como Junior H, Ñejo y Dálmata, Ivy Queen y hasta Miguel Bosé. La música de Rauw es un hit en este momento y este disco no decepcionó a nadie pues tiene un montón de canciones que representan la esencia musical de Alejandro y los ritmos que lo caracterizan, pero mejor.

Desire, I Want To Turn Into You – Caroline Polacheck

Dado que lleva más de una década creando algunos de los discos de pop experimental más inteligentes y encantadores que existen. Ya sea como parte del infravalorado dúo Chairlift o con su fantástico debut en solitario bajo su propio nombre, fue una alegría ver que este trabajo recibía la abrumadora respuesta que merecía a principios de este año. Un viaje en montaña rusa a través de la imaginación libre de Polacheck, letras llenas de alegría y humor irónico, canciones que muestran el extraordinario rigor de su voz.

2000 – Manuel Turizo

2000 es una explosión de ritmos y emociones, pero qué se podía esperar si contiene la joya de La Bachata; además de El Meregue, un sencillo que lanzó junto al talentoso productor y dj Marshmello. A través de este álbum Turizo demuestra la versatilidad de su voz y talento para hacer canciones con letras ya sea profundas, románticas o simplemente muy pegajosas. Además de la colab con Marshmello tiene algunas otras muy buenas con artistas como Beéle y Maria Becerra. Y ya para terminar, la mayor parte de las letras de este disco son de su autoría.

Hotel Miranda! – Miranda!

Bueno no hay palabras para expresar todo lo que es este álbum. El duo argentino lo lanzó para celebrar sus dos décadas de trayectoria musical y básicamente es un remake de sus más grandes éxitos en colaboración con otros artistas. Lo increíble de este disco es que es como si estuvieras escuchando estos temas por primera vez . Desde que escuchas la intro de Don ya te emocionaste y espérate a llegar a Perfecta, versión que sacaron con la voz de la talentosa Maria Becerra y FMK. Sin duda alguna se nota el corazón que le metieron a cada canción.

Nave Nodriza – Titán

Titan, el icónico grupo mexicano que está de regreso, aunque, ellos dicen que nunca se fueron. Nos traen a casi fin de año un nuevo álbum de música electrónica y toques de rock. El álbum se entrego este 23 de Noviembre 2023 con “Baby O” “Cola de Pato” “El Predicador” y más.

Comillo de Leche – Carin Leon

Si Colmillo de Leche se pudiera resumir en una expresión esa es, “¡Tengo el corazón roto!”; y es que todas las letras de este disco son de desamor. Luego cuando creímos que por fin nos regalaría un “y vivieron felices para siempre” resulta que “la versión del lobo no es la de caperucita”. Sin embargo aún con tanta letra triste, este album es es uno de los proyectos más impresionantes del interprete, pues en él fusiona sentimientos y estilos que no había mostrado nunca antes en su carrera musical, lo que representa su crecimiento y maduración como artista en un momento donde el regional mexicano está cambiando significativamente.